Jika pengaruh William Shakespeare atas teater Barat tidak meluas ke panggung opera — sebuah fakta yang dijelaskan oleh keinginan pustakawan yang cocok dengan Shakespeare, ketidakpedulian sastra dari para komposer, dan kesulitan yang terlibat dalam pengaturan pentameter iambik ke musik — kanon Shakespeare telah ditetapkan dirinya sebagai salah satu inspirator opera yang hebat. Ini jelas dari 200 opera aneh berdasarkan drama Shakespeare, sekitar setengah lusin di antaranya termasuk di antara monumen langka pencapaian opera. Hal ini selanjutnya ditunjukkan oleh serangkaian referensi yang lebih luas lagi — momen-momen opera lain yang menunjukkan tanda-tanda kemiripan keluarga Shakespeare yang tidak salah lagi tanpa kaitan silsilah yang dinyatakan dengan sumbernya. Drama Shakespeare dengan demikian telah melahirkan, berdampingan,untuk keturunan opera "sah" dan untuk penyebaran opera anonim, sejarah Shakespeare yang direkam dan tidak tercatat di panggung opera.
Opera berasal dari Shakespeare
Perlunya mengakomodasi ketidaktegasan formal dan karakter banyak segi dari teater Shakespeare dengan rangkaian resitatif dan aria, pemandangan yang rumit, dan ketentuan opera lainnya membuat adaptasi Shakespeare menjadi bisnis yang berbahaya. Versi opera aktor-manajer David Garrick tentang The Tempest (1756) dituduh “mengebiri” bermain asli Shakespeare, sementara Lord Byron (dalam 1818 surat kepada penyair Samuel Rogers) memarahi nyanyian Gioacchino Rossini untuk “menyalibkan” Othello (1816).
The Fairy Queen karya Henry Purcell (1692) biasanya dijuluki sebagai opera Shakespeare pertama. Musiknya, bagaimanapun, terbatas pada selingan dalam A Midsummer Night's Dream yang dibatasi . Hanya di Dido dan Aeneas (1689) Purcell memiliki kesempatan untuk menulis musik untuk pahlawan wanita tragis status mitos. Satu-satunya opera Purcell, yang ditulis untuk pemeran gadis-gadis muda, menampilkan pengaruh Shakespeare yang jelas yang dapat dengan aman dianggap berasal dari penulis perpustakaannya, penyair dan penulis naskah Nahum Tate, yang akrab dengan kanon. Tate konsisten “ditingkatkan” Shakespeare yang sesuai dengan selera penonton baru, yang paling contoh terkenal adalah happy ending dia ditambahkan ke King Lear (Tate King Leartahun 1681 — di mana Cordelia tidak hanya tinggal tetapi juga menikahi Edgar — sebenarnya satu-satunya versi yang akan ditampilkan di panggung Inggris selama 150 tahun berikutnya). Untuk Dido dan Aeneas , Tate benar-benar mengikuti Virgil dengan cukup setia, dengan pengecualian dari penambahan dua adegan penyihir yang terinspirasi oleh Macbeth yang memperumit aksi dan menimbulkan keraguan yang cukup besar tentang peran takdir dalam keputusan Aeneas; Mercury di sini menjadi umpan belaka yang dikirim oleh para penyihir untuk mengelabui Aeneas dengan tujuan keseluruhan untuk melukai Dido. Namun penambahan ini menetapkan dimensi Shakespeare yang membuat opera pendek ini sesuai untuk digunakan sebagai "permainan dalam drama" dalam pertunjukan Measure for Measuredi panggung London pada tahun 1700. Memang, penyisipan potongan musik seperti itu dalam atau setelah drama Shakespeare adalah kebiasaan di abad ke-18: pastoral Acis dan Galatea karya George Frideric Handel , misalnya, dipentaskan di Drury Lane pada tahun 1724 sebagai penutup untuk The Tempest .
Opera seria dan opera buffa
Berkenaan dengan dramaturgi Shakespeare, sungguh menggiurkan untuk mencatat bahwa opera lahir di Florence pada tahun 1600 — kira-kira saat Hamlet pertama kali menyuarakan pandangan Shakespeare tentang akting. Shakespeare dan ahli teori opera mengungkapkan kekhawatiran serupa tentang bahasa dan pertunjukan. ( Lihat juga Sidebar: Shakespeare di Teater.) Opera berkembang pesat, dan Venesia mulai membuka gedung opera publik pada tahun 1637; pada 1642 Puritan London menutup teaternya. Opera Italia mencapai London hanya pada awal abad ke-18, ketika itu segera menjadi mode dan memecah belah publik. Shakespeare dipanggil dalam kontes ini: permainan "mekanik kasar '" dari A Midsummer Night's Dream diubah menjadi karikatur opera Italia dalam karya Richard LeveridgeA Comick Masque of Pyramus and Thisbe (1716). Sekitar 30 tahun kemudian (1745), JF Lampe menghidupkan kembali buku itu sebagai “opera tiruan,” lengkap dengan aria amarah dan akhir bahagia yang dibuat-buat.
Lebih antagonis lagi adalah reaksi terhadap opera Italia yang ditulis pada libretto Shakespeare. Ambleto ( Hamlet ) dari Francesco Gasparini , yang telah dimainkan di seluruh Eropa, dibawa ke London pada tahun 1712 oleh castrato Nicolini yang terkenal tetapi dengan cepat menghilang dari panggung. Rosalinda karya Francesco Maria Veracini (1744) - As You Like It dipentaskan sebagai pastoral Italia yang sopan dan ditulis untuk pemeran sopran perempuan dan castrato — mengalami nasib yang sama. Gli equivoci , penggemar opera karya Wolfgang Amadeus Mozart, satu-satunya murid Inggris, Stephen Storace, menyajikan kasus yang berbeda. Ditulis dengan libretto oleh Lorenzo Da Ponte (banyak dalam semangatnya — dan Mozart— The Marriage of Figaro) dan diterima dengan baik pada tahun 1786 di Vienna Burgtheater (sekarang Hofburgtheater) dan di seluruh Jerman, Gli equivoci , yang merupakan satu-satunya latar yang diketahui dari The Comedy of Errors , dianggap terlalu "Mozartian" dan tidak pernah sampai ke London.
Lainnya, seperti JC Smith dan David Garrick yang disebutkan di atas, menggunakan dan menantang mode opera Italia. Sementara opera mereka di The Tempest , serta The Fairies (1755), di mana Prolog bercanda mengaitkan kepenulisan dengan "Signor Shakespearelli," tidak diterima dengan baik, buku Tempest Garrick berhasil dihidupkan kembali pada tahun 1777 dengan musik oleh Thomas Linley yang luar biasa (1756 –78). Sepanjang abad ke-18, The Tempest , seperti A Midsummer Night's Dream , tidak pernah ditampilkan kecuali sebagai hiburan musik.
Setelah pergantian abad, komposer opera buffa (seperti Antonio Salieri) dan singspiel Jerman (seperti Carl Ditters von Dittersdorf) mengalihkan pandangan mereka ke aliran Shakespeare yang lebih lucu. Pada tahun 1849 Otto Nicolai, setelah menyatakan bahwa hanya Mozart yang dapat melakukan keadilan kepada Shakespeare, menulis opera yang sukses di Die lustigen Weiber von Windsor ( The Merry Wives of Windsor ). Der Widerspenstigen Zähmung karya Hermann Goetz (1874; The Taming of the Shrew ) membuat Kate jatuh cinta pada Petruchio hampir pada pandangan pertama — mengubah antiheroine Shakespeare yang percaya diri menjadi hochdramatisch abad ke-19.
Wanita dari teater hingga opera
Senja opera seria dan munculnya opera Romantik dilambangkan dengan kemunculan primadona dan penaklukan perempuan atas wilayah soprano yang sebelumnya didominasi kastrato. Peran perempuan Shakespeare, karena dimainkan oleh laki-laki, biasanya kurang berkembang dibandingkan peran laki-laki; dengan pengecualian penting dari Rosalind (dalam As You Like It ) dan Cleopatra (dalam Antony dan Cleopatra ), peran perempuan Shakespeare jauh kurang signifikan. Tetapi keunggulan sopran abad ke-19 meluas ke banyak peran wanita Shakespeare lainnya, mengubahnya menjadi bagian utama.
Rossini's Otello (1816), opera seria pertama dengan akhir yang tragis, mempersiapkan tiga tenor — Iago (penjahat), Rodrigo (kekasih yang ditolak), dan Otello (interloper) —melawan Desdemona yang terkepung yang melebihi mereka semua — dan dia ayah basso, Brabantio, untuk boot. Mengikuti “terjemahan” bahasa Prancis dari Othello pada abad ke-18oleh Jean-François Ducis, Rossini menggantikan saputangan, pakaian dalam wanita yang sangat intim, dengan surat komedi Italia yang salah kirim dan tidak tertangani. Penyair Prancis Victor Hugo dan Alfred de Vigny mengolok-olok "perbaikan" ini, namun pelukis Eugène Delacroix begitu terkesan dengan bacaan ini sehingga lukisannya menunjukkan Desdemona, bukan Othello, sebagai protagonis. Sebagian besar aksi di babak pertama memang dipaksa menjadi cetakan opera seria konvensional. Ini berisi bravura arias untuk semua solois dan grand final yang dramatis yang hanya berhubungan jauh dengan perkembangan halus dari narasi Shakespeare. Berlawanan dengan versi panggung, yang melakukan perjalanan dari Venesia ke Siprus dan melibatkan karakter rendahan seperti pelacur dan burung camar, seluruh opera diatur di istana-istana megah di Venesia,melakukan pertukaran yang sebagian besar sopan antara anggota kelas bangsawan tunggal yang diatur oleh nafsu yang dapat diterima. Namun di babak terakhir opera mani ini, Rossini memperkenalkan kutipan dari DanteInferno , dinyanyikan oleh pendayung gondola yang lewat, yang mendorong Desdemona untuk menyanyikan Lagu Willow yang diiringi dengan harpa, diikuti dengan doa yang sangat mengharukan, yang mengarah ke lokasi pembunuhan dan kesimpulan singkat. Otello adalah satu-satunya opera Rossini yang berakhir dengan cara ini, dan pengaruh babak terakhir ini pada opera abad ke-19 terbukti bertahan dan menjangkau jauh.
"Shakespearien" Hector Berlioz yang penuh semangat menempatkan soprano di garis depan dalam karya terakhirnya, Béatrice et Bénédict (1862), berdasarkan subplot "perang meriah" dari Much Ado About Nothing . Shakespeare adalah inspirasi tanpa akhir bagi Berlioz, terutama dalam simfoni paduan suara Roméo et Juliette (disusun tahun 1839). Romeo dan Juliet telah terbukti menjadi favorit komposer opera sepanjang masa, menghasilkan lebih dari 20 versi. Dalam adaptasi oleh komposer seperti Nicola Antonio Zingarelli dan Nicola Vaccai, bagian dari Romeo dinyanyikan oleh mezzo-soprano, untuk ketidaksetujuan dari Berlioz, yang lebih suka, untuk ini dan alasan lainnya, Daniel Steibelt's Roméo et Juliette (1793). Saya Capuleti, sebuah kendaraan untuk saudara perempuan Grisi yang terkenal (Giuditta dan Giulia), ansambel wanita istimewa dan menaklukkan publik dalam duet terakhir para kekasih melalui kebangkitan Giulietta tepat waktu — sebuah akhir yang dipopulerkan oleh Garrick. Juliette adalah coloratura yang canggih dalam opera Charles Gounod tahun 1867 (diistilahkan oleh Rossini "duet dalam tiga bagian: satu sebelum, satu selama, dan satu setelah"), terlalu berkembang, seperti Ophelia dari Ambroise Thomas's Hamlet (1868), dengan mengorbankan pasangan pria. Contoh lain dari kecenderungan itu termasuk Saverio Mercadante's Amleto (1822), di mana bagian dari Hamlet dinyanyikan oleh seorang wanita, dan sebuah opera verismo yang dinamai Giulietta e Romeo (1922) oleh Riccardo Zandonai.
Baik perpustakaan Gounod dan Thomas ditulis oleh tim sukses Jules Barbier dan Michel Carré, yang bersama-sama dan secara terpisah atau dengan orang lain menulis libreto dari beberapa opera Prancis yang paling bertahan lama. Plot Roméo et Juliette dari Gounod cukup sesuai dengan aslinya, menghilangkan banyak karakter sekunder dan mengembangkan karakter lainnya (halaman Stefano, misalnya, yang tidak disebutkan namanya dalam tragedi Shakespeare, memiliki aria yang mudah diingat). Keberangkatan besar dari plot aslinya sekali lagi adalah kebangkitan kembali Juliette tepat pada waktunya untuk duet menyedihkan dengan Romeo sebelum keduanya meninggal, memohon pengampunan Tuhan atas bunuh diri mereka yang tidak Kristen.
Opera, yang dimulai dengan adegan bola di Capulets ', mendramatisasi beberapa episode, termasuk penampilan pertama Juliet, pengungkapan identitas Romeo kepada Juliet (oleh Tybalt daripada perawatnya), dan kematian palsu Juliet, yang terjadi tepat ayahnya telah mengambil lengannya untuk membawanya ke kapel untuk menikah dengan Paris. Singkatnya, itu memiliki semua bahan untuk sukses dan langsung menjadi hit. Itu tetap dalam repertoar bersama dengan Faust , adaptasi Gounod lainnya dari sebuah mahakarya sastra.
Pada awal 1990-an Thomas's Hamlet, setelah sekian lama diabaikan, mulai sekali lagi dibawakan oleh penyanyi-penyanyi terkenal di panggung-panggung bergengsi dan direkam. Opera menempatkan Hamlet sebagian besar melawan Gertrude, ibunya, dan Ophelia tercinta, tetapi juga menawarkan wawasan menarik tentang pertanyaan politik yang mengganggu Prancis pada saat itu ditulis, dua tahun sebelum akhir Kekaisaran Kedua: Gertrude tahu semua tentang pembunuhan mantan suaminya oleh Claudius (suaminya saat ini), dan Hamlet menolak Ophelia hanya ketika dia menyadari bahwa Polonius adalah kaki tangan dalam perbuatan tersebut. Dalam adegan "perangkap tikus", Hamlet yang tampak gila menarik mahkota dari kepala Claudius, mendorong akhir dari proporsi epik, saat Pengadilan mengomentari tindakan lèse-majesté ini. Di adegan terakhir, di kuburan, hantu ayah Hamlet muncul untuk ketiga kalinya,terlihat selama ini, menuntut tindakan dari Hamlet, yang segera membunuh Raja Claudius, dengan demikian memulihkan legitimasi takhta dan membawa stabilitas ke negaranya yang tersiksa. Opera berakhir dengan suara orang-orang yang berteriak, “Vive Hamlet! Vive notre roi! ”
Dalam Das Liebesverbot (1836), satu-satunya opera Shakespeare Richard Wagner dan satu-satunya setting Measure for Measure yang masih ada , peran Duke sepenuhnya diserahkan kepada Isabella, yang diam-diam mencintai pemikir bebas Lucio. Pertunjukan aslinya benar-benar gagal, dan karya itu menghilang dari repertoar. Beberapa pertunjukan di pertengahan hingga akhir abad ke-20, serta rekaman, bagaimanapun, telah menyelamatkan karya itu dari pelupaan sama sekali dan menjelaskan tahun-tahun pembentukan Wagner, ketika dia masih mencoba menulis musik arus utama.
Adapun peran penting soprano dalam Giuseppe Verdi's Macbeth (1847), itu karena Shakespeare sendiri: Verdi hanya mengenali bahwa solilokui Lady Macbeth dibaca persis seperti opera solo. Instruksi bahwa dia “tidak boleh menyanyi sama sekali” digaungkan dalam Ernest Bloch's Macbeth (1910), di mana orkestra memainkan peran utama, memberikan tandingan, kedalaman, dan ironi tragis yang tidak dapat disampaikan oleh suara-suara saja. Seperti Thomas's Hamlet , Verdi's Macbeth mencerminkan situasi politik di tanah air komposer dalam lebih dari satu cara: otoritas tirani dari perampas kekuasaan ditentang oleh orang buangan Skotlandia yang menuntut kebebasan. Paduan suara Profughi Scozzesi adalah gema dari "Va, pensiero," paduan suara terkenal dari Nabucco yang menjadi lagu kebangsaan dalam perjuangan untuk persatuan Italia — mendorong nama Verdi menjadi akronim dari moto “Vittorio Emmanuele, Re d'Italia”.
Otello Rossini diselamatkan oleh memori Shakespeare, seperti yang dikatakan Stendhal. Adaptasi abad ke-20 berayun ke arah yang berlawanan: dalam Amleto karya Mario Zafred (1961) atau Der Sturm (1956) karya Frank Martin , musik parlando membebani kata-kata Shakespeare; Bacaan literal oleh Reynaldo Hahn (1935) dan Mario Castelnuovo-Tedesco (1961) menghasilkan dua versi The Merchant of Venice yang tidak proporsional .
